RECOMENDACIÓN DE LA SEMANA: Robert Schumann - Tres Romanzas, Op. 94

 

  ROBERT SCHUMANN

3 ROMANZAS, OP 94

 


Dentro de la escasa producción de Schumann para instrumentos de viento, destacan sus Tres Romanzas, op. 94, para oboe con acompañamiento de piano.

Se trata de la única obra que Schumann escribió para el oboe. Son, en esencia, tres Lieder ohne Worte (Canciones sin Palabras) escritas para oboe y piano, que fueron ideadas como un regalo navideño para su esposa, Clara. 

Schumann utiliza numerosos recursos -armonía, dinámicas, interválica, métrica, etc.- en ambos instrumentos para conseguir un amplio abanico de sensaciones a lo largo de toda la obra  y lleva hasta el límite -dentro del estilo romántico- las cualidades expresivas del oboe, creando una obra en la que se explota el fraseo de una forma que nunca se había hecho antes y que supone una gran exigencia, tanto técnica como interpretativamente, para los dos instrumentos.

En cuanto a los aspectos formales, la obra se divide en tres movimientos, siendo la forma de todos ellos el Lied ternario, esto es, A - B - A, con largas codas al final de cada movimiento. Además, los tres movimientos conforman una macroestructura A - B - A también, ya que el primero y el tercero comparten carácter, tempo y tonalidad predominante, mientras que el segundo es muy diferente al resto, tanto armónicamente como en las indicaciones de tempo y expresión.

Cabe destacar que es de los rarísimos ejemplos de música romántica para oboe fuera del repertorio orquestal, lo que le otorga un valor añadido.


Tres Romances Op. 94 R. Schumann

RECOMENDACIÓN DE LA SEMANA: Escritos sobre música

 Escritos sobre música 

Jean-Jacques Rousseau (Ginebra, 1712-Ermenonville, 1778). 





Jean-Jacques Rousseau fue un importante intelectual y filósofo en la Francia del siglo XVIII. Inquieto, curioso, crítico y hábil polemista, reflexionó y escribió acerca de disciplinas muy diversas, como la pedagogía, la botánica, o la música, de la que fue un amante apasionado. 

En la presente monografía, publicada en 2007, y primera realizada en lengua castellana, se recogen algunas de sus disertaciones acerca de asuntos musicales de profunda enjundia e interés. Algunos de los capítulos como El origen de la melodía’ o ‘Sobre la música moderna, son solo algunos ejemplos que darían para amplias y animadas tertulias.  

Sobre la música moderna debemos recordar que se refiere a la música moderna que avanza en el París de mediados del siglo XVIII Rousseau escribió: 


‘Hoy en día el público es tan reacio a todo lo que es novedad, tan contrapuesto a sistemas y proyectos, sobre todo en lo que atañe a la música, que a uno no le resulta posible ofrecerle nada sin exponerse a los efectos de sus primeras acciones, es decir, a verse condenado sin ser entendido’. 


 

La presente obra, editada por la Universitat de Valencia, y conducida por Anacleto Ferrer y Manuel Hemerlinck, da cuenta, así mismo, de las agrias polémicas que Rousseau mantuvo con el compositor Jean-Philippe Rameau,  que desataría en París La querelle des Bouffons –entre los partidarios de la música francesa o los de las nuevas estéticas, entre los que se encontraba Rousseau,  que llegaban de Italia de la mano de Pergolesi y su Serva padrona–.  

Y es que la música, como lenguaje provocador de emociones y sentimientos de muy diversa índole, tuvo y tiene la capacidad de abrirse camino e innovar, de proponer nuevos rumbos a través de estéticas, que, en su momento, son consideradas trasgresoras. Recordemos lo que siglos antes, en el mismo lugar, maestros del Ars Antiqua opinaban sobre las nuevas propuestas que se abrían paso con el Ars Nova.  La música, como venimos diciendo, solo precisa de un único visado para desarrollarse en el tiempo: esto es, la atención y el interés del público. 


TAL DÍA COMO HOY... 5 a 16 de diciembre

Algunas efemérides interesantes...

5 de diciembre

A lo largo de los años este día ha sido testigo de acontecimientos muy importantes para la historia: desde la abolición total de la Ley Seca en Estados Unidos, en 1933 (norma mediante la cual fueron prohibidos, desde 1920, la fabricación, comercialización y consumo de alcoholes, con la que se consiguió justo lo contrario de lo que se pretendía, ya que al estar prohibido se incentivaba al consumo ilegal aumentando el mercado negro y el contrabando por parte de las mafias) hasta la desaparición, sin dejar rastro, en 1945, de cinco bombarderos estadounidenses en una zona entre Florida, Puerto Rico y las Bermudas a la que, a partir de entonces, se conoce mundialmente como “el Triángulo de las Bermudas”.

Además, en este día nacieron personalidades que con el tiempo harían historia y que hoy son sobradamente conocidas en sus respectivas áreas de acción: el “padre” de muchos de los más emblemáticos dibujos infantiles y pionero de la industria de animación Walt Disney (1901-1966); el tenor español José Carreras (1946) quien, junto a Luciano Pavarotti y Plácido Domingo, formó parte del trío “Los tres tenores”; también venía al mundo el gran pianista Krystian Zimerman (1956) y, por último, el desaparecido cantaor de flamenco conocido como Camarón de la Isla (1950-1992), considerado por muchos como una de las mejores figuras del cante jondo de todos los tiempos.

También debemos recordar a varias personalidades que fallecieron un 5 de diciembre y que, al margen de habernos dejado un gran legado sirvieron y sirven de inspiración. Ellos son:

Claude Monet (1840-1926), pintor francés al que debemos el término “impresionismo”, derivado de su cuadro Impresión. Sol naciente, de 1872.

Impresión. Sol naciente


Nelson Mandela (1918-2013), una de las figuras más importantes en la lucha contra el apartheid (clasificación racial de acuerdo a la apariencia, la aceptación social o la ascendencia), la igualdad y los derechos humanos, lo que le valió el Premio Nobel de la Paz en 1993.

Karlheinz Stockhausen (1928-2007), compositor alemán pionero en el campo de la improvisación electrónica y en las performances electrónicas en directo.


9 de diciembre

Nacimientos

  • Joaquín Turina (1882-1949) Compositor español cuya producción, de gran dominio técnico y adscripción nacionalista, se inspira a menudo en la música popular andaluza. Junto a Manuel de Falla y Oscar Esplá fue uno de los máximos representantes de la música sinfónica española de principios del siglo XX, siguiendo el camino que había iniciado Isaac Albéniz.


  • Joshua Bell (1967) Violinista estadounidense que ha tocado junto a las orquestas más prestigiosas bajo la batuta de los directores más importantes del mundo.

          Interpretó la parte solista de la banda sonora de la película El violín rojo, la cual ganó un Óscar              por la música compuesta por John Corigliano.

Josua Bell - The Four Seasons


10 diciembre

1950- Proclamación universal de los Derechos Humanos

1964- Martin Luther King recibe el Premio Nobel de la Paz por liderar la resistencia no violenta para el fin de los prejuicios raciales en los Estados Unidos.

Nacimientos

César Franck (1822-1890) Compositor, organista y pedagogo belga, naturalizado francés. César Franck ocupa un lugar privilegiado en la historia de la música francesa no sólo por el valor incuestionable de su producción, sino, sobre todo, por su decisiva influencia al ser profesor de toda una generación de músicos que constituyeron el núcleo de la moderna escuela instrumental francesa, entre ellos Vincent D'Indy, Ernest Chausson, Henri Duparc y Louis Vierne.

Cesar Franck - Trío Op. 1 nº 1


Olivier Messiaen (1908-1992) compositor, organista, pedagogo y ornitólogo francés. Una profunda fe católica, la fascinación por el hinduismo, la seducción por el color instrumental y, sobre todo, el amor a los pájaros y la naturaleza son algunos de los elementos sobre los que se sustenta el personal estilo de Messiaen, un autor difícilmente encasillable en una corriente concreta.

En 1940 fue hecho prisionero por los alemanes e internado en un campo de concentración en Silesia, donde compuso el Quatuor pour la fin du temps (Cuarteto para el fin de los tiempos). Acabada la guerra, el nombre del compositor comenzó a cobrar cierta relevancia, sobre todo a partir del estreno (en 1949 y bajo la batuta de Leonard Berstein) de la Sinfonía Turangalila.

Cuarteto para el fin de los tiempos


Flores Chaviano (1946) Una de las grandes figuras de la guitarra contemporánea. Tanto como intérprete como compositor, sus trabajos artísticos han sido muy reconocidos por la crítica especializada y hoy en día está considerado como uno de los más importantes creadores cubanos.

Trío para flauta, viola y guitarra


16 de diciembre

Este 16 de diciembre se cumplen 252 años del nacimiento, en 1700, en Bonn (Alemania), de uno de los compositores más geniales, conocidos e interpretados de la historia de la música: Ludwig van Beethoven.

  • Tempranamente dio muestras de tener un gran talento musical, por lo que su padre intentó hacer de él un “nuevo Mozart”, aunque con escaso éxito.

  • Viena fue la ciudad que le acogió desde 1792 y donde permanecería el resto de su vida.

  • En 1796 comienzan sus problemas auditivos; la sordera llegaría en 1798 y posteriormente se quedaría completamente sordo, lo que no supuso impedimento para que continuase componiendo.

  • Fue el último gran representante del clasicismo vienés (tras Haynd y Mozart) y uno de los primeros grandes compositores románticos.

  • Su gran legado musical incluye sonatas y conciertos para piano, música sacra, un concierto y sonatas para violín, música de cámara para conjuntos instrumentales entre dos y ocho intérpretes, una ópera (Fidelio) etc. Pero sin duda sus nueve sinfonías son su música más reconocida e interpretada a nivel mundial (recordemos que, en 2001, la partitura original de la Sinfonía Nº9 se inscribió en el Registro de la Memoria del Mundo de la UNESCO, donde forma parte, junto con otros sobresalientes monumentos, de la herencia espiritual de la humanidad).

  • Beethoven poseía un carácter fuerte e impulsivo por lo cual tenía desencuentros con los estamentos que le protegían y patrocinaban, es decir, la nobleza, la iglesia y la corte de Viena. Así, siguiendo los pasos de su admirado Mozart (quien comenzó esta “revolución” al dejar de estar al servicio del arzobispo Colloredo e instalarse como músico independiente, aunque con poca fortuna) fue el primer músico que consiguió independizarse y vivir de los encargos que se le realizaban, sin estar al servicio de un príncipe o un aristócrata.

  • Durante toda su vida la salud de Beethoven fue delicada aquejado por constantes afectaciones (mala digestión, dolor abdominal crónico, cirrosis hepática, pancreatitis crónica, irritabilidad o depresión, así como otros síndromes tales como alteraciones gastrointestinales, bronquiales, articulares y oculares).

  • Falleció en Viena en 1827, a los 56 años.



También un 16 de diciembre, pero de 1882, nacía Zoltán Kodály, destacado compositor húngaro, cuya labor va desde la composición, a la recopilación y estudio de la música folclórica de su país junto a Bela Bartók pasando por la creación de un método de educación musical basado en el canto que permite desarrollar diferentes capacidades a través de la interpretación de la música popular. Para él la forma de esta música es sencilla como los razonamientos del niño y le acerca a su patrimonio cultural.

Mientras estudiaba Composición y Filología conoció a Bela Bartók y su estrecha amistad duraría toda la vida. Ambos creían que la verdadera música tradicional húngara se encontraba en las granjas con los campesinos, por lo que recorrieron su país recopilando y catalogando su música. Este trabajo sentó las bases de la etnomusicología.

En un viaje a París conoció a Claude Debussy, quien le marcó tan profundamente que su primera composición, fechada ese mismo año (1907) se titula Meditación sobre un motivo de Claude Debussy.

En 1923, con motivo del cincuenta aniversario de la unión de Buda con Pest, compone una obra que le catapultará al panorama internacional: Psalmus Hungaricus. Junto con la ópera Háry Janós (1920-1925) y las Danzas de Galánta (1933) estas tres obras serán las que le consagren como compositor.

Zoltán Kodály fue distinguido varias veces con el mayor premio que se otorga en Hungría, nombrado Doctor Honoris Causa por las universidades de Budapest, Berlín Este, Toronto y Oxford, así como presidente del Consejo de las Artes y de la Escuela de Altos Estudios Musicales “Franz Liszt” y del International Folk Music Council.

Falleció a los 85 años, en 1967.

Kodaly - Dances of Gàlanta



RECOMENDACIÓN DE LA SEMANA: LAS CUATRO ESTACIONES PORTEÑAS DE A. PIAZZOLLA

 


LAS CUATRO ESTACIONES PORTEÑAS

ASTOR PIAZZOLLA

 

 Astor Piazzolla  (Mar del Plata1921 – Buenos Aires,  1992) fue un bandoneonista y compositor argentino, actualmente considerado como uno de los músicos americanos más importantes del siglo XX por su estilo ecléctico, que conjuga la música popular argentina con el academicismo de la música clásica.

Bajo el título “Cuatro estaciones porteñas” se engloban cuatro pequeñas piezas compuestas entre 1965 y 1970, que describen la ciudad de Buenos Aires en cada una de las estaciones del año. Piazzolla compuso esta serie de piezas en momentos diferentes, siendo obras independientes que pueden ser ejecutadas por separado.

Las Cuatro Estaciones fueron escritas para quinteto instrumental compuesto por bandoneón, violín, piano, guitarra eléctrica y contrabajo, a excepción del invierno, originalmente escrito para viola en  lugar del violín, dando al conjunto una sonoridad que los más puristas de la época no admitieron de buen grado.

Actualmente se considera a Piazzolla como el gran innovador de la música argentina con un estilo propio e inconfundible y en sus composiciones escuchamos una mezcla de sonidos y ritmos tangueros con un lenguaje más fresco y novedoso, elaborado con procedimientos y recursos técnicos, armónicos y contrapuntísticos que el compositor aprendió en Europa y supo adecuar a su particular lenguaje musical. En su obra conviven el género tradicional, la música clásica y el jazz y entremezclan sus lenguajes, técnicas y estilos, lo que le confiere un carácter único y de un considerable atractivo.

TAL DÍA COMO HOY: 28 noviembre a 2 de diciembre

 28 de noviembre

1632

Tal día como hoy nacía el compositor, bailarín e instrumentista francés de origen italiano Jean Baptiste Lully, iniciador de la ópera en Francia.

Con 20 años entró al servicio del rey Luis XIV, como bailarín de ballet y violinista. A partir de aquí sería director musical de la familia real, primer compositor de la Corte y compositor de Cámara hasta que finalmente se convirtió en Superintendente de la Música de su Majestad.

Alcanzaría la cumbre de su carrera en 1681 al convertirse en secretario del Rey. Tan solo cuatro años después perdería el favor del monarca al verse inmerso en un escándalo de índole amorosa.

Lully fue creador de la “tragedia lírica”, forma que reúne el sentido estético francés con el ballet.

Murió en París, en 1687, a consecuencia de una herida que se hizo en el pie con su bastón de director de orquesta, una pesada barra de hierro que servía para llevar el compás golpeando el suelo con ella; esto le provocó una infección que acabó lentamente con su vida, ya que su pensamiento de ser bailarín impidió cortar su pierna y finalmente se le gangrenó.

Está sepultado en la basílica Notre Dame des Victoires de París.

🔊 Extractos de Le bourgeois gentilhomme

Lully - Le bourgeois gentilhomme

29 de noviembre

1797

Nacía el italiano Gaetano Donizetti (m. 1848), compositor que, junto a Rossini y Bellini, conforma la tríada de compositores italianos que dominó la escena operística hasta la eclosión de Verdi.

Escribió más de setenta óperas entre 1816 y 1844; entre ellas se encuentran, por ejemplo, El elixir de amor, Lucía de Lammermoor, Don Pasquale o La favorita.

Falleció en Bérgamo, su ciudad natal, a los 51 años, tras pasar varios años preso de la locura.

🔊 Lucia de Lammermoor

Lucia de Lammermoor

Alfredo Kraus Chi mi frena in tal momento

Netrebko - Beczala


1924

También un 29 de noviembre moría Giacomo Puccini (n. 1858), compositor italiano considerado entre los más grandes de finales del siglo XIX y principios del XX.

Heredero de la gran tradición lírica italiana (considerado por algunos el sucesor de Verdi) pero al mismo tiempo abierto a otras corrientes y estilos propios del cambio de siglo, se convirtió en el gran dominador de la escena lírica internacional durante los primeros decenios del siglo XX.

El público, a pesar de que a veces se sentía desorientado por las novedades de cada ópera, al final se ponía de su parte; por el contrario, la crítica musical, en particular la italiana, consideró durante mucho tiempo a Puccini con hostilidad. Se le solía acusar en Italia a Puccini de comercial y se decía que su música no era ni italiana, ni rusa, ni alemana, ni francesa. No obstante, expresaron su admiración por su trabajo contemporáneos tan importantes como Ígor Stravinsky, Arnold Schoenberg, Maurice Ravel o Anton Webern.

Aunque no fue un creador muy prolífico (12 óperas conforman el grueso de su producción) en comparación con sus predecesores es un autor clave del repertorio operístico y uno de los más apreciados y aplaudidos por el público en todos los teatros del mundo.

Curiosidad: se debe a Puccini la construcción del primer automóvil todoterreno italiano. Enamorado de los coches, el maestro comenzó su “carrera automovilística” comprando, en 1901, un De Dion Bouton "5 CV", visto en la Exposición de Milán de aquel año y rápidamente sustituido (en 1903) por un Clement Bayard. Cambió repetidamente de coche, siendo todos ellos automóviles adecuados a salidas con la familia, pero no para utilizarlos en sus amadas partidas de caza. Por este motivo, Puccini pidió a Vicenzo Lancia que fabricase un vehículo capaz de moverse también en terrenos difíciles. Al cabo de pocos meses, le entregaron el que se considera el primer todoterreno de Italia, con chapa reforzada, ruedas articuladas y un precio astronómico (35 000 liras de la época). Sin embargo, Puccini no quedó totalmente satisfecho y posteriormente adquirió otros dos coches.

Puccini, fumador compulsivo, falleció en Bruselas mientras se trataba de un cáncer de garganta, dejando su última ópera, Turandot, inconclusa. Las últimas dos escenas de Turandot las terminó el compositor y pianista Franco Alfano bajo la supervisión de Arturo Toscanini. La noche del estreno, el propio Toscanini, que dirigía la orquesta, interrumpió la interpretación donde Puccini había dejado la composición. El día del estreno en La Scala, cuando muere Liù, Toscanini se volvió al público, dejó la batuta y, con voz queda y emocionada, mientras lentamente bajaba el telón, dijo: "Aquí finaliza la ópera, porque en este lugar murió el Maestro".

La versión que completó Alfano se presentó en la segunda noche de representación.

En 2001 vio la luz un nuevo final, compuesto por Luciano Berio y basado en el libreto y los esbozos de Puccini.

🔊 Nessum Dorma (Turandot)

Nessum Dorma (Turandot)


🔊 Un bel di vedremo (Madame Butterfly)

Un bel di vedremo (Madame Butterfly)


🔊 Vissi d’Arte (Tosca)

Vissi d'Arte (Tosca)


🔊 E lucevan le estelle (Tosca)

E lucevan le estelle (Tosca)


2 de diciembre

1923

Nacía María Callas, cantante de ópera griego-estadounidense cuya peculiar voz, de registro amplio y que, unida a su dominio de la técnica, le permitió cantar roles desde soprano ligera a los dramáticos, incluso de mezzosoprano y alternar con éxito entre personajes de coloratura ágil y dramáticos pesados. Tenía una sorprendente capacidad de matizar, articulando entre sobreagudos brillantes y graves reforzados en voz de pecho.

Desafortunadamente parte de su fama no obedeció solo a razones artísticas. Su vida privada y su relación con Aristóteles Onassis hicieron que ocupara portadas de la prensa rosa cuando su carrera estaba prácticamente terminada. En realidad, después de iniciar su relación con Onassis entró en declive. El “fenómeno Callas” duró apenas algo más de una década, pero su irrupción en el mundo de la lírica dejó una marca imborrable en la historia de la ópera.

Murió en París, en 1977, a los 53 años.

🔊 Sempre Libera (La Traviata. Verdi)

Sempre libera - La Traviata - Verdi

🔊 Casta Diva (Norma. Bellini)

Casta diva - Norma - Bellini


Ese mismo día y ese mismo año, moría Tomás Bretón Hernández compositor español (n. 1850).

Durante su juventud se ganó la vida tocando el violín en orquestas y cafés.

En la década de 1880 prosiguió su formación en Roma, Milán, Viena y París. A su regreso a España, dirigió la Orquesta de la Sociedad de Conciertos, con la que realizó una valiosa labor en la introducción del repertorio sinfónico europeo, buscando incorporar las grandes formas europeas a la música española, sin dejar por ello de inclinarse hacia el nacionalismo musical. Desde 1901 ejerció la docencia como profesor de composición en el conservatorio de Madrid, donde fueron alumnos suyos Manuel de Falla y Pau Casals.

La ópera constituye el hilo conductor de la carrera de Tomás Bretón, a pesar de que su intensa actividad le llevó a otros campos (director de orquesta, director del Conservatorio de Madrid más de veinte años y prolífico compositor en campos poco desarrollados en España como la música sinfónica y de cámara, además de realizar numerosas zarzuelas en muy diferentes géneros y estilos). No obstante, la ópera fue su verdadera obsesión. Son muy numerosos los escritos en los que defendió la importancia de la ópera nacional, escribiendo entre 1885 y 1919 folletos, conferencias y discursos que expuso en los principales foros culturales de su época, (Academia de Bellas Artes, Ateneo de Madrid, Círculo de Bellas Artes y el propio Conservatorio). En ellos insiste siempre en las mismas ideas, criticando la desidia y desinterés de las infraestructuras musicales de su época, y proponiendo opciones para solucionar el problema de la ópera nacional.

Apoyó la ópera española con títulos como Los amantes de Teruel (1889) y La Dolores (1894), por ejemplo, aunque hoy día es recordado sobre todo por la zarzuela La verbena de la Paloma (1894), uno de los retratos musicales más acabados y llenos de vida del Madrid de finales del siglo XIX.

🔊 La verbena de la Paloma (Preludio)

Preludio - La verbena de la paloma

🔊 La Dolores (jota)

Jota - La Dolores




TAL DÍA COMO HOY... SANTA CECILIA

 SANTA CECILIA

Universalmente reconocida como patrona de la música desde que, en 1594, el Papa Gregorio XIII la nombrase patrona de la música, esta mártir ya tenía una amplia veneración y reconocimiento por parte de la comunidad cristiana en el siglo IV de nuestra era.

La Iglesia Católica conmemora el 22 de noviembre la muerte de Santa Cecilia, una mujer de familia noble que falleció en un año indeterminado entre el 180 y el 230 de nuestra era después de ser torturada por su conversión al cristianismo.

Al parecer, buena parte de su historia se conoce gracias a las “actas del martirologio”, unos textos redactados a mediados del siglo V en los que se indica que la joven se convirtió al cristianismo y que sus padres la casaron con un noble pagano, llamado Valeriano, al que, en la misma noche de bodas, la novia hace saber que se ha entregado a Dios. Lo que quiere decir que guarda su virginidad para Él y que ésta es custodiada por un ángel.

Como es natural, el extrañado novio quiere ver al ser alado, y Cecilia le convence de que sólo se le aparecerá si se bautiza, cosa que acaba por suceder y el hombre acaba convertido a la fe de su amada esposa.

En vez de mantener en secreto este tema, puesto que no corrían buenos tiempos para los cristianos en Roma, la pareja se lo hizo saber a familiares y amigos, contagiando a muchos su gana de convertirse a esta religión...

Se dice que se llegaron a bautizar allí cerca de cuatrocientas personas.

El trasiego en aquel palacio, con baptisterio clandestino, era tan grande que despertó las sospechas del prefecto de Roma, Turcio Almaquio. Tras las debidas pesquisas, arrestó a los rebeldes. Como no consiguió que renegaran de sus convicciones, ni siquiera con el tormento, fueron condenados a muerte.

En el caso de Cecilia, primero trataron de matarla en las termas de su propia casa sin conseguirlo: fue escaldada durante un día y una noche en la bañera de su casa donde tantos fueron bautizados, pero la protección divina la liberó del sufrimiento. Luego, llamaron a un verdugo para que le cortara la cabeza: el ángel protector detuvo, invisible, los repetidos golpes del verdugo que, ante aquel prodigio,

huyó aterrado. Su nombre era Máximo y unos días más tarde se convirtió con toda su familia. Las leyes romanas solo permitían tres intentos de ejecución así que, tras los tres golpes reglamentarios, tuvieron que dejar marchar en libertad a la condenada. Quedó muy maltrecha, ensangrentada, con tajos en el cuello y la cabeza medio cortada. Aun así, sobrevivió tres días sin sufrimientos. Los dedicó a repartir sus riquezas y posesiones entre los pobres de la ciudad para, finalmente, morir en paz.

Pero… ¿sabía tocar santa Cecilia?

¿Por qué es la patrona de los músicos? ¿Qué tiene que ver Cecilia con la música?

Muchas bandas de música dedican cada año un concierto, misa y comida a su santa patrona, cuya fiesta se celebra el 22 de noviembre. Pocos conocen, sin embargo, las razones de este vínculo espiritual. Lo cierto es que este caso es un gran embrollo, una de las historias más enrevesadas del santoral.

Todo procede de las actas del martirologio, donde se describe que durante el festejo nupcial sonaron instrumentos musicales. Sin embargo, Cecilia cantaba en su corazón al Señor pidiendo conservar su pureza. Es decir, que permanecía sorda a las músicas terrenales, cantando silenciosamente a Dios con los ángeles del cielo. El abad San Aldelmo, en un tratado sobre la virginidad escrito en el siglo VII, confirma la sordera de Santa Cecilia, con el argumento de que, solo escuchando a los coros celestiales, y no los cantos de sirenas del mundo terrenal, pudo conservar su virtud.

Así, desde el siglo XV comienzan a difundirse imágenes de Cecilia tocando el órgano u otros instrumentos. Pero... ¿cómo pudo pasar la santa de ser sorda o indiferente a los instrumentos a aparecer como experta tañedora de órganos?

Las actas del martirio dicen literalmente que: “Llegó el día señalado para la boda. Sonaban los instrumentos musicales, pero ella solo cantaba en su corazón a Dios diciendo: Conserva mi corazón y mi cuerpo inmaculados, y que no me avergüencen; y tras ayunar y orar dos o tres días, encomendó a Dios su temor. Invitaba a los ángeles a sus preces, con lágrimas interpelaba a los apóstoles y exhortaba a todos los santos y seguidores de Cristo a que la ayudaran elogiando su pudicia ante Dios”.

A partir de este párrafo se compuso la antífona gregoriana para la celebración de su fiesta con el texto abreviado: “Sonando los instrumentos musicales, ella cantaba a Dios diciendo: conserva mi corazón inmaculado y que no me avergüencen” omitiendo “en su corazón”.

La antífona gozó de mucha más difusión que los demás textos. Todo esto, unido a una lectura errónea, hizo que se transmitiera implícitamente una versión distinta: “Tocando instrumentos, Cecilia cantaba al Señor diciendo: conserva mi corazón inmaculado y que no me avergüence.” La confusión se acentuó cuando se comenzó a representar a la santa cantando y tocando algún instrumento, extasiada y mirando al cielo.

Otra versión moderna, nacida en el siglo XIX, añade un nuevo equívoco cambiando los instrumentos que sonaban (cantantibus organis) por unos instrumentos candentes de tortura (candentibus organis). Esta versión no coincide con la narración antigua, que mencionan claramente el día de la boda, sino que sitúa la escena durante el martirio, presentando a Cecilia en oración ajena al dolor: “Mientras se preparaban los candentes instrumentos del tormento, ella rezaba cantando al Señor”.

Reliquias

Durante siglos nadie supo dónde estaban sus restos. Cecilia se apareció al cardenal Paolo Emilio Sfondrati en un sueño. El cardenal había restaurado en 1599 la basílica de la que era prior, pero no había localizado las santas reliquias. Agradecida por las obras en su templo, la propia santa reveló al cardenal durante aquel sueño el lugar que ocupaba su cuerpo bajo el altar mayor desde el siglo XI. Y allí apareció, incorrupto, cubierto de oro y joyas, acompañado de las vestiduras ensangrentadas que ciñó durante su martirio. Stefano Maderno (1576-1636) reprodujo el cuerpo de Santa Cecilia tal como la encontraron en un precioso mármol que se puede contemplar desde el altar mayor de la basílica.

Como hemos dicho, Cecilia fue proclamada santa en 1584 por el papa Gregorio XIII y Sixto V fundó poco después la Academia de Santa Cecilia de Roma, una congregación de músicos.



Imagen en mármol de Santa Cecilia.

Iglesia Santa Cecilia (Roma)


Fuentes:

Pliego de Andrés, Víctor. ¿Por qué Santa Cecilia es patrona de los músicos? Separata de la revista MÚSICA editada por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid ISSN 0541-4040. Depósito legal M 1832-1995 Madrid, MMVII

www.musicaantigua.com